MUSEO DEL BIJOU DI CASALMAGGIORE
Exhibition Design · Spatial Design · Materiali recuperati · Fotografia Macro · Art Direction
Casalmaggiore, Italia · 2022 and 2023
Trecento gioielli in vetro. Un allestimento costruito con il vetro che nessuno considerava prezioso.
Il Punto di Partenza
Nel 2022 le Nazioni Unite hanno dichiarato l’Anno Internazionale del Vetro. Il Museo del Bijou di Casalmaggiore, l’unico museo in Italia dedicato al bijou, lo ha celebrato con oltre trecento pezzi provenienti da collezioni private e dal proprio archivio. Due secoli di gioielleria italiana in vetro, in una mostra curata da Bianca Cappello e Augusto Panini, con il patrocinio del Comitato Nazionale Italiano AIHV.
Bianca Cappello called me before the design existed.
Il museo aveva sei vetrine a fungo, ognuna divisa in quattro sezioni di circa cinquanta centimetri, e sei tavoli rettangolari. Per esporre trecento pezzi aveva supporti in tessuto bianco e teste di plastica nera.
Mi scrisse che voleva qualcosa di diverso. Qualcosa di sorprendente.
Aveva già alcune idee. Lastre modulari di cristallo sovrapposte per creare diversi livelli. Vetro riciclato recuperato dagli impianti di lavorazione. Scarti di produzione. Mattoni di vetro trovati online. I mattoni costavano troppo e per il resto serviva trovare un fornitore. Non c’era budget per nuove strutture espositive.
Non ho usato nessuna di queste soluzioni.
“Looking for something magnificent that is right there, just out of sight.”
“La ricerca di qualcosa di magnifico che è proprio lì, appena fuori dalla vista.” Dal moodboard del progetto, scritto prima che venisse tagliata la prima bottiglia.
Il Materiale
l catalogo della mostra si apre con l’idea che un’opera in vetro sia preziosa soprattutto perché unica.
Io sono partita dal contrario. Ho cercato l’oggetto in vetro che nessuno considera prezioso.
La bottiglia. Buttata via a casse intere, ogni giorno, ovunque. Ma è anche uno dei contenitori più antichi per qualcosa che vale la pena dire. Un messaggio in bottiglia è un’idea più antica di qualunque pezzo presente in quella sala.
Vetro scartato che sostiene vetro collezionato. La stessa materia in due momenti diversi della sua vita. Il visitatore li legge insieme, senza bisogno che qualcuno glielo spieghi.
La raccolta
Sessanta bottiglie, raccolte tra bar e vicini di casa.
Verdi, trasparenti, blu. Spalle diverse, colli diversi, basi diverse. La varietà delle forme che riuscivo a raccogliere sarebbe diventata la varietà dei supporti a mia disposizione. Quindi la raccolta era già parte del progetto.
Lavata a mano, una per una. Etichette rimosse, colla eliminata, vetro abbastanza pulito da stare sotto la luce di un museo.
Il Taglio
Tagliate con visiera protettiva e guanti antitaglio.
Ogni bordo è stato molato a mano. Prima tamburi abrasivi su un utensile rotativo, poi grane progressivamente più fini, fino a rendere il bordo sicuro al tatto e abbastanza regolare da appoggiarsi perfettamente in piano.
Il cilindro ottenuto dal taglio diventava un piedistallo. La base diventava un disco. Il collo sosteneva ciò che, altrimenti, sarebbe rimasto disteso sul tessuto. Tra questi, ventidue dischi da otto centimetri, contati prima ancora di essere tagliati perché gli schemi erano già disegnati.
Lo Sfondo
Poi il terzo livello. Fotografie macro del vetro, stampate e montate come fondali delle vetrine. Cristallo tagliato. La curva blu di una bottiglia. .
A quella scala, il vetro smette di essere un contenitore e diventa un paesaggio. I gioielli stanno davanti.
Vetro scartato sotto. Vetro ingrandito dietro. Vetro prezioso al centro.
Il Sistema
Il brief chiedeva di progettare l’interno di un modulo per ciascuna tipologia, come modello.
Io ho progettato un sistema. Schema A e Schema B si alternavano nei quattro quadranti di ogni vetrina a fungo, scambiando tra loro anche gli sfondi. Quattro varianti per i tavoli. .
Sei vetrine. Ventiquattro quadranti. Nessuno identico all’altro. Tutto costruito a partire dallo stesso insieme di elementi
Quello Che È Successo
La mostra ha aperto il 23 aprile 2022 ed era prevista fino al 9 ottobre. È stata poi prorogata fino al 16 ottobre.
Il progetto è stato pubblicato su Arte.it, Il Giorno, FashionNetwork, L’Orafo Italiano, Preziosa Magazine e 18 Karati.
Poi, l’anno successivo, il museo mi ha chiamata di nuovo.
Il secondo incarico: Milleuna Fibbia, dal Settecento alla Dolce Vita
28 ottobre 2023 – 17 marzo 2024
Fibbie della collezione Pennasilico, dal Settecento alla Dolce Vita. A cura di Bianca Cappello e Samuele Magri.
Stesse sale. Stesse sei vetrine e gli stessi sei tavoli. Un problema diverso.
Entrambe le volte sono partita nello stesso modo: mettendo per iscritto ciò che esisteva già. Per Vetro, l’elenco comprendeva sei vetrine, quattro quadranti ciascuna, tessuto bianco e teste di plastica nera. Per Fibbie, l’elenco era più lungo. Trenta cubi grandi e venti piccoli, tutti alti 10,3 centimetri. Ogni tessuto utilizzabile che avevo in casa è stato misurato e fotografato, segnando quelli già destinati ad altro. Nulla è stato progettato prima che l’inventario fosse completo.
Infilata nel Tempo
Un collage per ogni epoca. Le fibbie accostate alle figure che le indossavano, stampate sul pannello posto dietro ogni gruppo espositivo.
Ho scelto l’illustrazione invece della fotografia. Restituiva meglio l’atmosfera di ogni periodo e, allo stesso tempo, eliminava il problema dei diritti d’immagine che l’utilizzo di fotografie storiche avrebbe creato per il museo. La scelta progettuale e quella legale coincidevano.
Il colore
Italiano in nero, inglese in blu, su ogni pannello. .
Feltro blu e azzurro chiaro posizionati sul lato opposto rispetto al testo blu, mai direttamente sotto. Grigio in tutti gli altri punti. Perché il grigio non compete con una fibbia.
Ventiquattro quadranti e sei tavoli organizzati secondo questa logica, tutti disegnati prima di tagliare qualsiasi materiale.
Il materiale, di nuovo
Le basi sono in cartone e tessuto. Cunei, rialzi, supporti piani, tagliati in funzione dell’oggetto che avrebbero accolto.
Il feltro è stato acquistato. Sei blu, diciassette grigi. Tutto il resto è uscito dai miei armadi.
Anche per questa mostra, il museo non ha acquistato nuove strutture espositive.
L’identità è spaziale. Si percepisce e occupa lo spazio come fa un oggetto. Qui, quella stessa idea diventa qualcosa attorno a cui si può camminare.
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